En septembre dernier, le groupe Cheap House (techno live), que nous accompagnons dans le cadre l’Opération Iceberg en partenariat avec les Eurockéennes de Belfort, a élargi son entourage professionnel en rejoignant WART. Une étape importante qui devrait propulser cette formidable machine de scène originaire de Strasbourg dans toute la France et au-delà. Depuis plus de 20 ans, WART s’est en effet fait une place de choix dans le paysage musical hexagonal en tant que programmateur d’événements, producteur de spectacles et tourneur (Meute, Arnaud Rebotini, Jeanne Added...). Jérémie Fallecker, le bouillonnant fondateur de Pelpass, est à l’origine de cette rencontre structurante pour le groupe. Il revient avec nous sur les coulisses de cette signature et plus largement sur le développement prometteur du groupe.

Tu suis le projet Cheap House depuis le départ. Peux-tu nous raconter ton premier contact avec le groupe ?
Disons que comme beaucoup de monde, j’ai eu un coup de cœur sur leur projet dès le départ. Et un sacré départ... Mon premier contact fut lors de la fête de la musique 2018 où, si je ne me trompe pas, ils avaient imaginé ce groupe juste pour se faire plaisir. Comme quoi, il y a parfois des bons groupes à la fête de la musique !

Tu les as programmés à plusieurs reprises. Une façon pour toi de soutenir le projet, de le faire évoluer aussi ?
Suite à cette fête de la musique, nous nous sommes tout de suite dit : « Rendez-vous sur Paye Ton Noël la même année ! C’est peut-être cela qui a participé à leur motivation pour essayer d’affiner ce tout nouveau projet. Le groupe et son entourage font aussi partie d’un réseau de musiciens foisonnant sur Strasbourg. Leur implication dans le réseau des Jam de Strasbourg leur donne constamment de la matière pour imaginer de nouveaux morceaux. Et quand nous est venue l’idée de confronter la techno instrumentale de Cheap House et du math jazz rock de Schnack, ils se sont montrés extrêmement motivés. Au point de vouloir les réinviter sur le Pelpass Festival.

Tu connais leur musique par cœur du coup ? C’est comment un live de Cheap House ?
C’est un groupe en constante évolution et leurs lives sont toujours différents. Ils peuvent faire tourner des boucles autant de temps qu’ils veulent. Il est donc impossible de connaître leurs morceaux par cœur. Par contre, comme dans la musique électro, il y a d’incroyables montées qui basculent toujours sur une apothéose ou un break renversant qui vous donnera forcément envie de danser.

Récemment, tu t’es même impliqué encore davantage en mettant en relation le groupe avec ce dénicheur de talents qu’est WART. C’était naturel pour toi ?
Quand un groupe de la scène locale de Strasbourg me plaît, je n’hésite pas à envoyer un mail à du monde : tourneurs, managers et autres programmateurs... Avec toutes les propositions que nous voyons passer dans la musique chaque jour (même re/confinés), il est souvent compliqué de tout écouter. On est donc très attentif aux conseils de l‘entourage professionnel. Un réseau et des idées se construisent avec les autres. C’est important pour tout le monde d’être à l’affût des coups de cœur de chacun. D’autant qu’il y a beaucoup de groupes qui se vivent en live, ce qui est clairement le cas de Cheap House. Je trouve donc normal de mettre en relation certains groupes et certains pros, quand cela est possible.

Les actus du groupe sont fortes. Ils étaient notamment aux Inouïs du Printemps de Bourges, le rendez-vous consacré à la découverte des nouvelles pépites musicales françaises. Que peut-on leur souhaiter à présent ? Une tournée à guichets fermés dans les plus belles scènes françaises, le plut tôt possible... ?
Pour l’instant, on ne peut qu’espérer que l’activité reprenne pour tout le monde et que le groupe puisse refaire des lives. Cheap House est clairement un groupe de festival : les musiciens sont très bons, ils ont de l’énergie et leur musique est intense. C’est un groupe encore émergent et c’est par le live qu’ils pourront étendre leur audience. Car ce qui est sûr, c’est qu’un concert de Cheap House, on s’en souvient !

Pendant ce reconfinement, nos pépiniéristes continuent de travailler et d’avancer leurs pions pour peaufiner leur projet et être fin prêts quand il leur sera possible de remonter sur scène. Vidéos, photos, écriture, prise de contact... Ça bosse dur, et c’est tant mieux !

JIVRE : « C’est un peu compliqué mais on s’accroche. On a presque fini les mix du nouvel EP, on est très content
du résultat. On commence à recenser les quelques pros auxquels on pourrait proposer une écoute. Par ailleurs, si ça se maintient, on devrait enregistrer un live au Noumatrouff à Mulhouse fin novembre, diffusé la semaine suivante. Et on prévoit une résidence à la Drêche fin décembre. La scène, la scène, la scène... »

LAVENTURE : « Très contents d’avoir commencé la saison avec la Semaine de colo. Les rencontres avec l’équipe, les différents intervenants et les autres pépiniéristes, cela nous a bien boosté. Côté actus, Laventure est enfin présent sur les réseaux. En parallèle, nous finalisons notre 1er clip et le mixage du single qui sortiront début 2021. On a hâte ! »

MISMO : « Beaucoup de travail en cette période malgré le contexte. Je peaufine en particulier la mise en mots et en images de mon projet, pour être au plus juste. J’ai aussi participé au morceau « 1h du mat’ » en featuring avec Koro, qui vient de sortir sur la mixtape One Life. Dans le même temps, je finalise avec mon équipe un nouvel EP. Et puis, je me renseigne sur les tremplins à venir. Bref, ça chôme pas ! »

Vous avez dit « restrictions » ?! En octobre, Cheap House a fait fi des contraintes. D’abord avec 2 dates, le 1er octobre à l’Autre Canal (Nancy) et le 23 octobre à la Lune des Pirates (Amiens). Le groupe a fait craquer les dancefloors et les corps, contraints malheureusement de rester assis. Il paraît même qu’on a vu ça et là quelques irréductibles se lever contre toute attente (et tout bon sens n’est-ce pas)...

Dans l’intervalle, une résidence « maison » bretonne à Paimpol, du 18 au 23 octobre, a permis au groupe de créer en toute tranquillité les morceaux sur lesquels, en 2021, vous pourrez lâcher toutes les tensions accumulées une année durant. A cette occasion, ils sont allés rencontrer leur nouvelle famille WART (le tourneur de Meute, Arnaud Rebotini, Jeanne Added...) à Morlaix, ainsi que leurs récents fraternels ATOEM et leurs synthés modulaires.

Début novembre, bravant en toute légalité le confinement, l’équipe de Cheap House s’est rendue à Mulhouse, au Noumatrouff, qui les a splendidement accueillis pour une résidence scénique de quatre jours. Une petite semaine sans pression pour travailler en profondeur le son du groupe dans des conditions scéniques professionnelles.
Puis le mercredi 11 novembre, jour de la commémoration de l’Armistice, ils en ont profité pour sortir leur second single : RAGEQUIT. Accompagné d’un clip enragé qui nous exhorte à sortir, à bouger, à « s’extirper de la masse molle d’une société aussi conventionnelle que stressante ». C’est cadeau !

La suite de cette période confinée n’a pas été synonyme de délassement. Bien au contraire. Le groupe prépare déjà un second EP alors que le premier doit paraître début février 2021. Rien ne les arrête on vous dit.

Le 24 septembre s’est tenue à l’Autre Canal à Nancy l’assemblée générale de GRABUGE, le Réseau Musiques Actuelles Grand Est né en mars 2020. A cette occasion, l’organisation du Réseau a été précisée, avec la création de commissions, l’élection d’un nouveau Conseil d’Administration et l’affirmation de priorités définies collectivement parmi lesquelles la circulation des artistes, les pratiques éco-responsables ou encore l’observation et la ressource dans notre secteur. Emmanuelle Cuttitta, directrice de la SMAC le Gueulard Plus à Nilvange et par ailleurs membre du nouveau CA, revient avec nous sur l’histoire récente de GRABUGE et les défis qui sont désormais devant lui.

Tout a commencé début 2016, au lendemain des élections régionales et de l’avènement de la nouvelle région Grand Est. Tout s’est accéléré courant 2020, en particulier pendant le confinement. Dans l’intervalle, des idées, des échanges, des études ont permis au Réseau de prendre forme. Comment as-tu vécu cette longue et nécessaire maturation ?

Nous nous sommes vite rendu compte qu’il fallait s’organiser par étapes car les trois anciennes régions se sont avérées profondément différentes de par leur culture, leur fonctionnement et leur réalité, notamment en termes d’aménagement du territoire. Se sont donc mis en place différentes phases comme apprendre à se connaître, observer le fonctionnement de chacun des anciens territoires, partager les expériences, etc., des phases qui toutes ont généré beaucoup de débats.

Il était évident pour toi que la Région se devait de se doter d’un Réseau de filière dans les musiques actuelles ?

Je suis dans le monde des musiques actuelles depuis 1986 et j’ai toujours œuvré dans des associations fédératrices dont certaines en qualité de membre fondateur comme la Fédération régionale des petits lieux de spectacles, Zic Zag en Lorraine, le réseau associatif d’acteurs musiques actuelles lorrains, puis plus récemment Musiques Actuelles en Lorraine (MAEL) qui avait la particularité de ne pas avoir d’entité juridique et maintenant Grabuge. Dès la création de la Région Grand Est, la démarche de regrouper les acteurs musiques actuelles dans une logique de filière se présentait comme un nouveau défi collectif particulièrement intéressant à relever et beaucoup plus en phase avec les réalités professionnelles d’aujourd’hui.

Depuis peu, une nouvelle organisation est en place, devant permettre à la fois l’implication de tous les membres de GRABUGE et une action la plus fluide, la plus efficace possible. C’est bien ça ?

C’est exactement cela même si les contours ne sont pas encore tous définis ! Nous avons souhaité transformer les freins (cf. les différences importantes au sein des 3 anciennes régions) en une force. Par exemple, un groupe d’adhérents a réfléchi durant plusieurs mois au meilleur moyen de toucher et d’associer le plus grand nombre d’acteurs – dont beaucoup ne se connaissent pas ou mal, en favorisant de nouvelles formes organisationnelles dans le respect des valeurs portées par le réseau et déclinées sous forme de charte.

Solidarité, subsidiarité, transversalité sont les maîtres-mots du Réseau. S’appuyer sur la richesse et la diversité de ses membres pour relever des défis communs, telle est donc là la raison d’être de GRABUGE ?

Oui, oui et oui. C’est l’idée même d’un réseau regroupant des acteurs de toute la filière musiques actuelles, car l’ensemble de nos métiers sont intrinsèquement liés alors même que chacun d’entre eux a ses propres spécificités. Nous dépassons les clivages de chaque secteur d’activité car nous sommes convaincus que c’est en instaurant du partage de connaissances et de compétences qu’émergeront de nouvelles idées et des envies encore plus fortes de faire ensemble.

Le Réseau est encore jeune, fragile même malgré l’élan collectif du moment. Quels sont les écueils à éviter selon toi ? Quels sont les prochains caps à franchir pour le consolider ?

L’écueil principal à éviter serait à mon avis de perdre la formidable dynamique qui s’est instaurée entre les acteurs des sept familles de métiers qui constituent notre Conseil d’Administration. Maintenant que les missions sont définies, le prochain cap d’importance sera de mobiliser les moyens humains, techniques et financiers à l’échelle de notre vaste région. C’est-à-dire définir l’organisation adaptée à l’échelle régionale et les compétences nécessaires pour servir au mieux les objectifs du réseau.

D’ailleurs, pourquoi GRABUGE ? Pour peser, souder et se faire entendre ?

Pour toutes les raisons évoquées précédemment, et en résumé : partager de la connaissance et des expériences, porter de nouvelles réflexions, lutter contre les inégalités et les discriminations, s’entraider, valoriser les musiques actuelles et expérimenter de nouvelles actions.

On termine la présentation de notre nouvelle pépinière avec JIVRE !

© Mehdi – Afterlife Studio

On continue de vous présenter la nouvelle promo de notre pépinière avec Laventure, un duo à la fois pop, glo-fi et soul.

© Mehdi - Afterlife Studio

En septembre dernier, on accueilli notre nouvelle pépinière. On en a profité pour vous présenter les trois projets qui l'ont intégré : Mismo, Jivre et Laventure. On commence avec un focus sur Mismo !

© Mehdi - Afterlife Studio

Top départ pour nos 3 nouveaux pépiniéristes : Jivre (rock), Laventure (pop soul) et Mismo (hip-hop) ! Après un vrai petit parcours du combattant pour rejoindre la nouvelle promo, les voici jetés dans le grand bain de 2 ans d’accompagnement, avec au programme pour débuter cette aventure notre déjà traditionnelle « Semaine de colo ».

La « Semaine de colo », c’est 6 jours intensifs d’échange et d’apprentissage en commun, mêlant rencontres métiers et travail scénique pour tous partir du bon pied, construire un diagnostic partagé et tracer une feuille de route pour chacun de ces 3 projets à fort potentiel, dont les marges de progression sont réelles.

Du 14 au 22 septembre, nous nous sommes donc enfermés en salle. Pendant 3 jours, nous sommes revenus sur l’environnement du musicien, tout ce qui a trait à la scène, au disque, à la structuration, la production, la communication… et plus largement aux stratégies de développement. Avec des intervenants émérites : Yohann Feignoux de Bluebird Booking, Jean-Noël Scherrer de Cold Fame Booking, Julien Hohl de Deaf Rock Records, Tanguy Aubrée de l’agence de communication Daydream Music et plusieurs membres de l’équipe Django : Emma, Mourad, Benoît et Pierre. Un grand merci à eux pour leurs conseils, précieux, et leur générosité.

Les trois jours suivants ont été consacrés au plateau : chaque pépiniériste a travaillé avec un ingénieur du son de renom, Laurent Signolet, afin de pouvoir présenter à l’ensemble du groupe sa musique, son intention et entendre en retour leurs remarques sur ce qui fonctionne et ce qui fonctionne moins. C’est là toute la particularité de ce projet collectif : que chaque musicien se nourrisse des conseils qu’il reçoit mais aussi de ceux apportés aux autres, voire même devienne acteur de ces conseils, dans un grand mouvement de partage et d’enrichissement mutuel entre artistes accompagnés.

Nous en sommes tous sortis ravis, heureux d’avoir pu croiser nos expériences, nos parcours, nos réseaux, nos ressources. La promo 3 de la Pépinière démarre sur les chapeaux de roue !

Du 1er au 5 septembre, l’artiste folk Prokop débarque à Django pour une résidence de création. Il s’agira de transposer son dernier album sur scène pour préparer au mieux la tournée qui s’annonce. Nous l’avions déjà reçu le 15 novembre 2018 en première partie de la légende Otis Taylor, puis en novembre dernier à l’occasion de l’une de nos « tournées des récrés ». Dans l’intervalle, il a multiplié les dates, il s’est entouré, il s’est développé. Sa musique aussi a pris des contours variés, se laissant volontiers emporter vers le rock, le jazz, la chanson. Nous voulions revenu avec lui sur cet itinéraire original, qui se précise chaque jour un peu plus. C’est chose faite !

Parle-nous de ton projet. Comment a-t-il vu le jour ? Comment évolue-t-il ? C’est toujours compliqué pour un artiste solo de répondre à cette question. Comment il a vu le jour ?
Avec ma naissance je suppose... Mais vous me direz qu’on n’a pas ses racines où on est né. Tout le monde sait ça ! Disons alors que depuis mon arrivée en France depuis l’Angleterre il y a quelques années, il s’est imposé comme mon projet principal. J’ai rapporté des pubs de Hull ce qui me semble faire le folk là-bas : on a une chanson et on la joue sans fioriture, avec les gens qui se trouvent autour de la table à ce moment donné... Ce qui compte, c’est le discours de la chanson et de la situation. A force de jouer les mêmes chansons, on en écrit d’autres, on rencontre des musiciens qui comprennent votre discours, on signe chez Deaf Rock Records et on sort un triple-album folk. C’est comme ça que ça se fait en 2020 ! Si la crise actuelle le permet en tout cas...

Bob Dylan, Sonny Boy Williamson ou encore The Pogues, ce sont des noms qui te parlent, qui ont compté pour toi ? Tu écoutes encore beaucoup de musique aujourd’hui ?
Enormément oui. J’écris et je compose parce que ça m’a toujours semblé plus simple que de jouer des traditionnelles ou des reprises. Mais un musicien – folk tout particulièrement, ne fait qu’entretenir (et peut-être allonger un poil) un chemin que d’autres avant lui ont tracé. Il faut écouter ce qui s’est fait et se fait pour pouvoir le trouver ce chemin mais aussi pour éviter de le faire tourner en rond. C’est sans doute ce que dit Murders most Foul : les réponses que l’on cherche ne se trouvent pas dans les chansons qu’on écrit. Alors on pose Bob Dylan, Tom Waits, Sonny Boy Williamson, les Pogues, les Cramps, Riley Baugus, Vladimir Vissotsky, Karel Kryl, Micah P. Hinson, Vinicio Capossela, Ian Noe et d’autres sur la platine et on voit ce qui en sort... C’est le principe de ma Love Letter par exemple : elle n’existerait évidemment pas sans Ewan MacColl et Eric Bogle.

Le temps de la création est toujours particulier. L’écriture des textes, la composition, l’affirmation d’un style. Est-ce un plaisir à chaque nouvel album ?
Pour le moment oui. J’espère. Tout n’y est pas un plaisir évidement mais si travailler sur un nouvel album n’est pas un plaisir, ne le faîte pas... Pour Love Letters from Across the Street, un plaisir, ça l’a été ! Notamment grâce aux gens avec qui j’ai eu la chance de travailler : les sept autres musiciens évidemment qui participent à la couleur du disque, le réalisateur sans aucun doute à qui je dois énormément et aussi la maison de disque qui m’a laissé toute la liberté que j’espérais. Je pense que ça se ressent dans le disque.

Que vas-tu travailler plus particulièrement sur scène à Django ? Ton prochain spectacle dans sa globalité ? Différentes formules qui pourraient être proposées ?
Le concert. J’ai les chansons, les enregistrements, maintenant il faut adapter la liberté du studio aux contraintes du live. Bien que l’album ait été entièrement enregistré live, il va falloir adapter les chansons à la sonorisation, au matériel de tournée, et aux différentes formations (solo ou en groupe)... On ne risque pas de s’ennuyer !

Et cette tournée, comment s’organise-t-elle ? La crise du coronavirus n’a-t-elle pas trop compliqué la recherche de dates ?
La crise du coronavirus a terriblement compliqué les choses. A l’heure qu’il est, tous les concerts sont annulés ou reportés, les tournées aussi, il n’y a aucun moyen de se projeter ou de s’organiser. Les salles de concerts sont fermées mais les programmations se remplissent déjà pour 2021-2022... Ce qui est extrêmement problématique. Aujourd’hui, on pense sans doute être obligé de repousser la sortie de l’album parce que sortir un triple sans tournée derrière, ce serait du suicide...

Nous avons collaboré ensemble déjà à plusieurs endroits, qu’il s’agisse de programmation, d’action culturelle ou d’accompagnement. Quel regard portes-tu sur notre projet ?
Un regard d’admiration, évidemment ! Mener comme vous le faites un projet d’une telle ampleur, artistique et sociale, ne peut provoquer d’autre regard que celui-là... A part peut- être la jalousie ?!

Un souvenir spécial à nos côtés ?
Plusieurs ! Le dernier en date : la participation aux récréations artistiques. C’était absolument incroyable, pour le plaisir qu’il procure autant aux enfants qu’au musicien. Ces récréations confèrent un rôle à l’artiste ; rôle qu’il devrait toujours avoir je pense. Je ne pensais pas que ce serait si fort. Un autre, dans la même semaine, en tant que spectateur cette fois : le concert de Blick Bassy. Extraordinaire. Mais – c’est un peu facile me direz-vous, je suis obligé de parler du partage de l’affiche avec Otis Taylor (un de mes héros) en novembre 2018...

Du 20 au 22 juillet, nous avons accueilli Les Chapeaux Noirs. Pendant trois jours, le groupe a travaillé sur sa nouvelle création : arrangements et mise en place de leur nouveau répertoire, travail du son avec Chris Pulon et recherche sur les effets et samples utilisés sur les différents instruments !

Du 6 au 9 août, le groupe BBCC (October Tone) sera en résidence avant la sortie de leur prochain album. Pendant quatre jours, ils vont travailler sur le développement de l’image autour de ce nouveau projet par de la vidéo projetée mais aussi sur les ambiances crées en studio pour tenter de les restituer sur scène.

Du 10 au 14 août, La Bergerie se préparera pour la finale du Buzz Booster (Zikamine) avec un coach vocal, Franco Mannara, proposé par Tipping Point. Initialement prévue le 30 mai, la finale de ce tremplin aura finalement lieu le 11 novembre au Flow à Lille. On leur souhaite bonne chance !

Du 17 au 20 août, c’est le trio Ispolin que nous avons programmé pour nos concerts aux fenêtres qui viendra à Django pour une résidence de cinq jours afin de créer une fiche technique, un plan de feu, une mise en scène et aménager les temps de paroles pendant leur spectacle.

Du 21 au 25 août, nous accueillerons la toute récente formation composée de Jeanne Barbieri et HJ Ayala (qui étaient en première partie du concert des Hermanos Gutierrez). Au programme : mise au point de leur répertoire (on peut vous dire qu’il s’agit d’un set de chansons d’amour !) et enregistrement.

CLIP DE FIN...

Depuis deux saisons, nous accompagnions avec grand plaisir Amor Blitz (pop-rock), Difracto (électro) et La Bergerie (hip-hop) au sein de notre pépinière. Deux années de rencontres, de création, de formations, de développement… pour polir et faire connaître leur talent. Alors que cette aventure a touché à sa fin en juillet dernier, nous avons décidé de revenir avec Manu, François et Lou sur cette expérience atypique, ses forces, ses faiblesses, ce qu’ils en retiennent et les perspectives qui se dessinent pour chacun d’entre eux.

Pouvez-vous nous présenter en quelques mots votre projet musical ? A-t-il évolué pendant ces deux années ?

Manu (Amor Blitz) : Amor Blitz, c’est un projet que je conduis depuis quelques années, une pop aventureuse, en français dans le texte ! Et qui a évolué à tous les niveaux en deux ans. Déjà sur la manière d’aborder la scène avec le groupe, grâce aux différentes résidences et aux concerts, puis sur le plan musical puisque j’ai pris définitivement les rênes de la composition. Stylistiquement, les choses se sont affinées, une envie de mettre du détail et de la subtilité dans les arrangements, de coller au plus près de ce que j’avais en tête, sans aucun compromis.
François (Difracto) : Je suis producteur de musique électronique dans des styles type future-bass, électronica, expérimentale. Parallèlement à ça, je donne vie graphiquement et visuellement à mes morceaux en fabricant des images et des vidéos en totale synergie avec le son. En deux ans, j'ai pu affiner artistiquement mon projet, tant musicalement que graphiquement.
Lou (La Bergerie) : Au moment d’intégrer la pépinière, nous défendions notre premier projet « Transhumance », un disque de rap aux influences résolument boom-bap et trip-hop. Si nous restons toujours attachés à ces influences, elles ont beaucoup évolué depuis. Nous préparons un EP pour novembre 2020, dont la couleur sera beaucoup plus électronique mais également plus sombre. Les samples de jazz et de soul ont été troqués contre des synthés et des samples de jungle et de musique ambiante, et les morceaux ont davantage été pensés pour la scène.

Vous avez rejoint la pépinière avec des objectifs précis. Quels étaient-ils ? Ont-ils été atteints ?

Lou : Nous sommes 4 dans le groupe, et notre objectif commun est de pouvoir prétendre à l’intermittence du spectacle pour faire de notre passion une profession. Nous ne sommes pas encore en mesure de vivre de notre musique, mais la pépinière nous a permis de nous rapprocher de notre but, que nous espérons atteindre dans les deux années à venir (avis aux bookers : on est plutôt sympas !).
Manu : Nous souhaitions faire évoluer notre rapport à la scène, améliorer sa préparation tant au niveau du spectacle que du son. Il s’agissait aussi et surtout d’être accompagné dans la sortie du prochain disque. Ces objectifs sont encore en cours et tout se déroule très bien pour le moment.
François : Lorsque j'ai rejoint la pépinière, l'idée était de préparer au mieux la production et la sortie de mon EP « Inside » sorti en mai dernier, en m'entourant de tous les partenaires nécessaires à une sortie efficace. J'ai aussi pu optimiser tous les aspects de mon live au cours des différentes résidences réalisées à Django : j'ai d'abord effectué une résidence son au printemps 2019 puis une résidence de création lumière/scénographie à l'automne dernier. Je suis aujourd'hui très satisfait car ces objectifs ont été atteints. La release party de mon EP a été à la hauteur de mes attentes. J’ai signé en édition pour deux titres de mon EP et j’ai trouvé une distribution afin d'optimiser mes chances de me faire connaître.

Quel regard portez-vous sur la place de notre accompagnement dans votre parcours ? Vous a-t-il été utile ?

François : Ces deux années d'accompagnement ont été super utiles pour moi. Ça m'a permis dans un premier temps d'avoir une idée précise du fonctionnement du monde de la musique, puis de booster mon développement grâce à la possibilité de faire des résidences et de multiplier les rendez-vous avec des pros du secteur.
Lou : La pépinière nous a permis de prendre conscience des enjeux/des défis du développement d’un projet musical. Ça a été pour nous un réel appui sur ces deux années, tant en matière de développement professionnel que sur le plan artistique. Nous avons pu travailler notre spectacle en résidence à plusieurs reprises, et c’est par le biais de l’équipe Django que nous avons commencé à collaborer avec Tipping Point.
Manu : L’accompagnement s’est fait avec bienveillance et tout en respect, en tenant compte de la vision des artistes. Cela apporte une certaine maturité et une confiance dans la manière d’aborder les sujets musicaux et extra-musicaux. Ça aide à faire des choix plus judicieux.

Qu’est-ce qui a bien marché selon vous ?

Manu : Les différentes formations avec les intervenants ont toujours été enrichissantes, on comprend mieux comment les choses se passent dans l’envers du décor. Indirectement, ça aide à définir quel type d’artiste nous voulons être. Et puis la rencontre avec les autres pépiniéristes qui permet de voir comment d’autres travaillent, c’est toujours très inspirant.
François : Le fait que la pépinière soit organisée sur mesure, en fonction des besoins et des envies des groupes, est un vrai plus. Très concrètement pour ma part, les faits marquants ont été les résidences, les rencontres avec les pros et les déplacements dans les festivals et autres conventions comme le MaMA à Paris.
Lou : La bienveillance et l’investissement de l’équipe y sont pour beaucoup dans la qualité de la pépinière. Vous avez su nous orienter et répondre à de nombreuses questions. Les résidences, les formations et les rendez-vous personnalisés nous ont été très bénéfiques.

Qu’est-ce qui a moins bien marché ? Que peut-on améliorer ?

François : Peut-être un suivi plus régulier des projets sous forme de réunion « balises » tout au long des deux ans. Éventuellement organiser aussi un déplacement en groupe aux conventions, notamment au MaMA, car les conférences et les rencontres qui ont lieu au cours de ces journées sont très formatrices.
Lou : Si on regrette de ne pas vous avoir encore plus sollicités, on s’est sentis aussi parfois un peu perdus. Quand on commence à développer un projet, on n’a pas forcément conscience de tous les besoins et questions auxquels il faut répondre…
Manu : Il n’y a que du positif qui ressort de cet accompagnement selon moi.

Un mot pour résumer cette aventure ?

Lou : C’est nous qui merci <3
Manu : Instructive, bienveillante et riche en rencontres.
François : Professionnalisante !

Trois nouveaux pépiniéristes nous rejoignent en septembre. Que peut-on leur souhaiter ?

Lou : Nos meilleurs vœux. Soyez gentils avec Pierre et Ben, faites de la bonne musique, suivez vos mails, respectez votre agenda et tout devrait bien se passer !
François : De profiter au maximum des options proposées et de tenir compte des différents conseils.
Manu : De bénéficier de ce qu’il y a à apprendre dans cet accompagnement pour affirmer leur singularité artistique et d’aller à la rencontre des personnes qui pourront les hisser plus haut.

C’est quoi la suite pour vous maintenant ?

Manu : Enregistrer un beau disque et le sortir avant la fin du monde.
François : Je vais maintenant composer et sortir régulièrement des nouveaux titres sous forme de singles, avec ou sans vidéo clip, et continuer à démarcher des salles de concerts afin de pouvoir jouer dans toute la France.
Lou : On prépare la sortie de « Mode avion », notre nouvel EP à paraître en novembre 2020. On espère monter notre première tournée dans la foulée, continuer à développer notre spectacle, et trouver Philippe…

Vous étiez nombreux à suivre notre premier concert capté avec le Weepers Circus mercredi dernier, découvrez maintenant les coulisses de leur résidence à Django du 20 au 25 mai !

Pour les raisons que vous connaissez, la cinquième édition de l’Opération Iceberg est actuellement suspendue. Pas question de se laisser abattre pour autant. Nous sommes allés voir de l’autre côté de la frontière, en Suisse ! A la rencontre du groupe Femme Fatale, en vidéo, que nous aurions dû accueillir en résidence en avril dernier.

Femme Fatale est un duo électro/hip-hop créé en 2018 et composé de Zeela (producteur) et Seko (MC). Ensemble, ils évoluent autour de styles musicaux variés, allant du hip-hop à la pop en passant par le classique, la drum and bass ou le rock.

En 2014, les labels alsaciens se sont regroupés au sein de la Fédélab, devenue courant 2018 la « Fédération des labels et producteurs phonographiques du Grand Est ». Elle entend favoriser le développement et la promotion des labels indépendants de la région, qui constituent un maillon essentiel, souvent fragile, de l’écosystème musical. Alors que la crise du coronavirus et ses conséquences continuent de sévir, Joël Beyler, président de la Fédélab et par ailleurs directeur du label #14 Records, réaffirme à l’occasion de cet entretien la place déterminante de ces structures auprès des artistes, des publics, de la filière dans sa globalité, et par-delà la nécessité de les soutenir.

Joël, la Fédélab existe depuis 6 ans maintenant. Que de chemin parcouru. Peux-tu nous en décrire les grandes étapes ?

La Fédélab a effectivement été créée en 2014. En ce temps-là, nous étions plusieurs acteurs à développer ou à lancer des labels indépendants. Moi-même, je lançais à cette époque le label #14 Records. Nous étions pour la plupart membres de la Fédération Hiéro Strasbourg. Sous l’impulsion de son président Pierre Poudoulec, nous avons commencé à nous réunir, à nous fédérer et c’est comme ça qu’est née la Fédélab, avec une dizaine d’adhérents alsaciens, majoritairement strasbourgeois, toutes esthétiques musicales confondues.

Les enjeux essentiels étaient de se fédérer, d’échanger sur nos situations et nos problématiques, de se filer des good tips, d’envisager des actions communes, de mutualiser… Et aussi de porter un plaidoyer politique et institutionnel, car nous trouvions que les labels et le secteur de la musique enregistrée, et par extension les métiers de l’entourage de l’artistes (manager, tourneurs, éditeurs, etc., réunis aujourd’hui sous l’appellation « développeurs d’artistes ») étaient totalement absents des discussions locales et des dispositifs de financements ou de soutien.

La crise du disque post-2000 a rayé les labels indépendants des enjeux alors que la crise du support n’a pas entrainé une remise en cause du métier. Bien au contraire, plus que jamais les labels ont un rôle essentiel à jouer dans le développement des carrières des artistes. Ils méritent ainsi d’être pris en compte, comme tout autre maillon de l’écosystème musical. En tant que Fédération, nous avons donc pris des mandats dans différentes instances nationales (FELIN notamment) et participer à des travaux avec les acteurs locaux des musiques actuelles.

On a évolué à un peu plus d’une dizaine d’adhérents jusqu’en 2017. La Fédélab fonctionne sans subventions publiques, avec comme ressources les cotisations annuelles de ses membres et le volontariat militant. On a essayé de lancer des projets plus opérationnels, voire le développement de services pour les labels, mais on s’est souvent heurté aux limites du bénévolat, avec un manque de constance dans les engagements qui étaient pris et des priorités professionnelles externes qui reprenaient rapidement le dessus. On a quand même conduit quelques belles réalisations, notamment une fête du disque en 2017, dont nous sommes fiers, avec une bourse aux disques, de nombreux showcases, etc.
Puis est arrivée la loi Notre et la réforme territoriale, avec cette nouvelle région Grand Est, de nouveaux acteurs, de nouvelles frontières, une vraie chance ! Nous avons alors participé à certaines concertations régionales, comme le Conseil Consultatif Culturel mis en place par la Région Grand Est ou encore les réflexions menées quant à la construction d’un réseau Grand Est des acteurs musiques actuelles. Naturellement, nous nous sommes alors tournés vers nos voisins de la Flippe, et avons d’un commun accord décidé d’unir nos forces et de fusionner : la Fédélab est ainsi devenue une fédération à l’échelle du Grand Est, également soutenue par le POLCA, le réseau d’acteurs Champagne-Ardenne.

On dit des labels qu’ils sont les premiers découvreurs de talent. Tu confirmes ?

Oui, les labels indépendants sont des découvreurs de talents, c’est certain. Ils défendent parfois des musiques de niches, lancent de jeunes artistes et en font émerger d’autres, accompagnent le développement des artistes et de leurs carrières, participent de leur professionnalisation.

Les labels indépendants sont garants de la diversité musicale. Ce sont des artisans valeureux qui fonctionnent au coup de cœur et qui accompagnement des aventures humaines. Les labels défendent des musiques bien souvent ignorées par les médias les plus présents.

Les labels indépendants sont souvent aussi le premier partenaire de l’entourage de l’artiste et dépassent largement leur fonction première de label : ils s’occupent également du booking, du management, de la promotion de l’artiste. Le temps n’est pas compté, l’argent non plus (quand il est disponible…).

Mais c’est tout un écosystème qui s’actionne autour des artistes et de leur développement, les studios de répétition, les salles et festivals bien sûr, les programmateurs, les bookeurs, etc. C’est cet ensemblier, fonctionnant par complémentarité et par coopération, qui fait qu’un artiste se développe. Tous les acteurs de la chaîne ont un rôle à jouer, à différents niveaux du développement.

L’objectif est que les artistes développent leur carrière, grandissent, et il faut que les labels qui les accompagnent depuis le début, puissent grandir avec eux. Parfois des artistes signent avec des structures plus conséquentes, le choix artistique ou financier se comprend bien évidemment, mais qui se pose la question du label ou de la structure qui a fait émerger l’artiste lorsque c’est le cas ? Comment est valoriser l’accompagnement et le travail consenti ? Ce sont de réelles questions…

Vu sous un autre angle, il est vrai aussi que le rôle d’un label est parfois remis en question aujourd’hui, avec l’avènement de l’artiste entrepreneur. Mais pour le vivre quotidiennement, je suis mitigé sur cette question : j’adhère complètement à l’idée que l’artiste doive adopter une posture entrepreneuriale, comprendre et maîtriser son environnement, mais je ne crois pas réellement aux discours qui laissent entendre qu’un label ou encore un tourneur est superflu aujourd’hui. Quand on mesure les compétences, le temps et la force de travail que tout cela suppose, il me paraît très compliqué pour un artiste de porter la somme de ces fonctions.

Vous occupez une position à part dans la filière musicale, en lien direct avec les artistes, avec les acteurs de la scène – tourneurs, salles, festivals notamment. Une position souvent d’équilibriste… Comment le vis-tu, en tant que président de la Fédélab, en tant que directeur de label ? Se fédérer était-il une nécessité pour parler d’une seule voix et se faire entendre au niveau local ?

Ce travail de développement ne se fait pas seul, comme j’ai pu l’évoquer précédemment. La place qu’occupe un label dépend aussi de la configuration de l’entourage de l’artiste. Le label agit de fait sur son rôle de producteur ou d’éditeur phonographique, mais si l’entourage de l’artiste est émergent, le label endosse également la casquette de manager, de tourneur, d’attaché de presse, etc. C’est hyper excitant d’avoir une vue d’ensemble et d’accompagner la totalité du projet, on parle alors d’approche à 360°. Du fait de ce positionnement, on est effectivement au cœur des échanges avec l’artiste et l’ensemble des auteurs acteurs de la filière : programmateurs des salles et festivals, institutions, médias, autres partenaires. Mais c’est un travail sans fin… Lorsque l’entourage est plus développé, on discute avec les autres composantes de l’entourage, le tourneur, le manager, l’éditeur. Chacun reste alors dans son rôle et apporte sa valeur ajoutée au service du projet de l’artiste. Les deux configurations sont assez différentes. A titre d’exemple, au sein du label #14 Records, nous avons des configurations de projets très variables ; parfois, nous sommes au côté de l’artiste en tant que partenaire principal, parfois nous sommes dans la configuration d’un partenariat pluriel.

La position d’équilibriste, je m’en rends particulièrement compte d’un point de vue économique. Lorsque l’on travaille avec des artistes émergents, la question du modèle économique se pose clairement. Le label investissant du temps et de l’argent sur la production musicale (enregistrement, pressage, promotion, etc.), le retour sur investissement pour un EP ou un album peut s’atteindre au bout de plusieurs mois voire années. Par ailleurs, l’économie globale générée par le projet artistique n’est pas toujours suffisante pour rémunérer l’ensemble des marges supposées par les différentes fonctions éventuellement occupées par ailleurs, telles que le booking ou le management par exemple. Mais comme ces fonctions sont nécessaires pour que le projet avance et se développe, on s’assied sur la question économique et on se dit qu’on verra plus tard.

L’un des points de départ de la Fédélab, c’était justement de défendre la juste place des labels au sein de la filière musicale, en mettant en avant l’importance de leur travail dans le développement des groupes et artistes. C’était justement de pointer ses problématiques, de les partager entre labels et d’essayer de défendre notre cause, avec les autres acteurs, avec les institutions. La Fédélab agit dans une logique d’intérêt général. Lorsque nous prenons une position ou faisons remonter une problématique, une difficulté, c’est dans l’intérêt de l’ensemble des labels de la région, du plus important au plus petit. Nous avons aujourd’hui plus d’une vingtaine de labels adhérents, notre parole est légitime. Mais nous pourrions être encore plus nombreux, dans l’intérêt de tous, sans que ce soit incompatible avec les stratégies propres à chaque label.

La Fédélab participe aussi pleinement à la structuration de la filière musicale dans le Grand Est, en particulier à la formalisation d’un réseau Grand Est. Comment avance ce réseau ? S’est-il déjà emparé de grands chantiers ? Quel rôle comptez-vous y jouer ?

Je pense que le Grand Est a été une vraie chance, une réelle opportunité de voir plus grand, d’interagir avec d’autres acteurs et de développer de nouveaux réseaux. Très vite, la Fédélab s’est projeté dans ce nouveau périmètre régional, en devenant une fédération régionale et en s’appuyant sur des relais territoriaux tels que la Flippe et l’Autre Canal en Lorraine, le POLCA en Champagne-Ardenne. Mais plus que tout, nous appelions de nos vœux la création d’un réseau Grand Est pour les musiques actuelles, représentatif de l’ensemble des acteurs.
Après plusieurs années de concertation, ce réseau a vu le jour le 5 mars dernier, lors d’une assemblée constituante rassemblant près de 70 structures des musiques actuelles. Le réseau est encore en construction et n’a pas encore de nom officiel, mais ce n’est pas grave, la dynamique est lancée et c’est bien là l’essentiel. Le réseau s’est donné quelques mois pour mieux définir son fonctionnement, sa gouvernance et ses missions. Toutefois, il s’est déjà mis au travail sur des sujets plus opérationnels, tel que la circulation des artistes, le développement de pratiques écoresponsables. Un groupe de travail s’est également monté autour de la situation particulière que nous vivons du fait du COVID-19, et les nombreuses difficultés rencontrées par le secteur musical.

La crise du coronavirus a frappé tout le monde, en particulier les petites entreprises, moins armées que d’autres pour y faire face. Comment avez-vous traversé cette période ? Où en êtes-vous aujourd’hui ? Quelles réponses a pu apporter la Fédélab à ses membres ?

Le COVID-19, et encore davantage le confinement, nous ont tous surpris. L’arrêt des concerts, la fermeture des magasins et donc la baisse des ventes de disques, etc., tout ça frappe de plein fouet les labels indépendants, et sans doute de façon durable. Pour d’autres, ce sont des difficultés de trésorerie qui sont à surmonter, notamment parce que les investissements ont été réalisés mais les sorties d’albums décalées. Pour d’autres projets, ce sont des dynamiques de promotion qui se sont arrêtées. Bref, chaque label vit une situation différente mais compliquée.

Les aides et fonds exceptionnels s’organisent aux différents niveaux de l’Etat et des organisations professionnelles. Les critères sont parfois restrictifs ou inadaptés à la réalité des situations de terrain, mais c’est une réelle complexité que de trouver un cadre à chaque situation. A la mi-mai, des mesures spécifiques en faveur de la musique enregistrée (disquaires, labels et éditeurs) viennent d’être annoncées par le CNM et le FCM, nous allons surveiller leurs traductions concrètes en dispositifs de soutien avec beaucoup d’attention. Au-delà de l’urgence de certaines situations, c’est aussi la relance à plus long terme qu’il va falloir accompagner.

Mais le plus angoissant peut être, c’est le manque de visibilité, la contradiction des informations qui circulent sur des possibilités de reprise de l’activité musicale, les conditions de cette reprise, la relance qui s’en suivra. Toute la filière est bien sûr impactée, les festivals annulés, les saisons reportées… Tourneurs, manageurs, agences de relation presse, éditeurs, distributeurs. Tous sont dans l’incertitude, personne n’a de recette. Tous s’inquiètent de tous ses reports, des goulots d’étranglement qui vont naturellement se créer… Et comment les artistes vont-ils survivre dans une économie aussi incertaine, avec un spectacle vivant en berne ? Beaucoup d’inquiétudes sont exprimées, nos structures sont souvent fragiles, et nous ne mesurons pas les impacts financiers à long terme de cette crise sanitaire.

Au niveau de la Fédélab, on essaie de garder le contact avec les adhérents, on a dépoussiéré notre newsletter mensuelle, on poursuit certains projets, on essaie de faire de la veille et d’orienter les adhérents vers les dispositifs d’aide mis en place.

Et on se pose les questions que tout le monde se pose : comment tout cela va évoluer ? Les pratiques et les usages que nous connaissions vont sans doute être bousculés, de nouvelles solidarités nationales et locales doivent être inventées, des nouveaux paradigmes de développement devront émerger.

Depuis le début de cette crise, nous avons une pensée quotidienne pour tous les collègues de la filière, festivals, salles, développeurs, artistes… qui traversent cette période difficile : force et courage !

En mars dernier, la Fédélab et le Polca (Pôle Musiques Actuelles de Champagne-Ardenne), vous avez lancé à Django l’opération BLOSSOM. Un dispositif d’accompagnement et de formation des développeurs d’artistes installés dans la région. Quel est le but de cette opération ? Quel en est le programme ? On peut donc espérer qu’il s’agit là d’un signe fort, celui d’une ambition longue durée au service des acteurs de la production musicale ?

Oui, c’était juste avant le confinement. Blossom est un dispositif d’accompagnement et de formation des développeurs d’artistes installés dans le Grand Est (labels, tourneurs, éditeurs, managers, …), proposé par le Polca et la Fédélab. L’idée de ce projet est de proposé aux développeurs d’artistes des temps de formation, initiale pour certains afin d’acquérir les connaissances essentielles, approfondie pour ceux ayant une activité installée depuis plusieurs années.

D’autres actions viennent compléter la formation, comme des temps d’échanges de pratiques et d’expériences sous forme de table-rondes ou conférences, des accompagnement personnalisés sur des enjeux ou axes stratégiques de développement, le développement des réseaux professionnels. L’idée est vraiment de produire des contenus adaptés aux besoins exprimés par les développeurs, que nous avons tous individuellement rencontrés lors d’une phase de diagnostic. Une vingtaine de développeurs du Grand Est participent à l’opération. Le projet Blossom est financé par le ministère de la culture et la convention de partenariat tripartite CNV, Région Grand Est et DRAC Grand Est.

À la suite du lancement du 6 mars, différentes actions devaient se tenir à court terme : un accompagnement et un déplacement collectif au printemps de Bourges et des premières sessions de formation collective en mai 2020. Bien sûr, tout a été annulé. Les temps de formation sont reportés à la fin de l’été en visioconférence, et nous espérons pouvoir mettre en place des temps présentiels dès le mois de septembre. En attendant, nous avons proposés aux participants des rendez-vous individuels et des échanges collectifs via des applications de visioconférence, pour réagir face à l’urgence de la situation et les aider à trouver des réponses. Nous avons aussi amorcé un travail collectif de benchmark sur des logiciels utiles à nous activités (CRM, logiciels de booking ou de production, etc.).

Nous sommes fiers de ce projet et nous espérons qu’il pourra s’inscrire durablement sur le territoire, les besoins de formations évoluant régulièrement, ou encore pour permettre à des porteurs de projets qui souhaiteraient se lancer dans l’accompagnement d’artistes, parfois exclus des droits à la formation, d’accéder à des formations de qualités. Toutefois, nous savons d’ores et déjà que la formation, bien qu’étant une entrée essentielle pour accompagner la montée en compétence des développeurs d’artistes, n’est qu’un axe d’accompagnement de développeurs d’artistes. La reconnaissance de ces métiers mais aussi les questions économiques, le soutien à l’emploi, à l’investissement et à la prise de risques, seront les prochaines thématiques auxquelles il faudra apporter des réponses. Nous espérons que le soutien apporté aux développeurs d’artistes via le projet Blossom est la première étape d’une politique ambitieuse et durable en direction de ces métiers, et que d’autres dispositifs de soutien ou d’accompagnement verront le jour. La mise en œuvre de Blossom nous donnera une vision pertinente sur les besoins des développeurs et apportera les données et outils nécessaires pour argumenter en ce sens. Soutenir les développeurs, c’est donner les moyens à l’écosystème musical de se structurer durablement et de favoriser l’émergence et le développement des artistes. Nous ne doutons pas que les partenaires et collectivités sauront intégrer ces métiers essentiels à la filière musicale aux politiques culturelles de demain.

Dans cette période trouble, il nous paraît important de donner la parole aux artistes certes mais aussi à leurs équipes. Toutes celles et ceux qui s’engagent au quotidien à leurs côtés pour leur donner les moyens de créer, de répéter, de jouer sur scène, de faire vivre leur musique. Florence Collin est l’une de ses activistes, au sein du collectif strasbourgeois October Tone. Elle nous livre ici ses premières impressions sur le confinement et les conséquences sur leur projet.

Comment vas-tu Florence ? Comment traverses- tu ce moment difficile pour nous tous ?

Ça va ! Il m’importe de prendre particulièrement soin de mes proches, de cultiver la bienveillance mais aussi de rester active et curieuse, qu’il s’agisse de mon travail ou de choses plus légères. Ma coloc est absente et je me retrouve avec l’appartement à moi toute seule, j’avoue que ça favorise le décalage horaire. J’essaie aussi de ne pas prendre le contexte actuel comme un concours de productivité, je trouve justement cela contre-productif de vivre sous la même pression qu’habituellement. Au contraire, je trouve sain de réapprendre à se donner du temps et de tenter de nouvelles choses ; peut-être même celles qui nous faisaient très envie et qui nous paraissaient lointaines ou absurdes il n’y a pas si longtemps. Pour ma part, ça se traduit notamment par le perfectionnement du maniement du hula hoop auquel s’ajoute 162 épisodes de Sailor Moon non visionnés... Je ne m’ennuie pas, c’est primordial pour le moral.

Tes missions s’organisent sans doute différemment depuis quelques semaines. Peux- tu nous en dire plus ?

C’est un moment tout à fait inédit qui va avec son lot de bouleversements, d’expectatives mais aussi de perspectives. Il me semble que là où la porte se ferme, une fenêtre s’ouvre. Je me dis que c’est le moment pour penser ce que nous faisons. Les artistes, toutes disciplines confondues, l’ont souvent magnifiquement montré : l’apparition de contraintes, c’est aussi l’occasion de voir émerger de nouvelles idées, de nouvelles pratiques et de transformer son regard sur le monde. C’est un motto qui m’inspire beaucoup en ce moment. C’est aussi une belle manière de relativiser les annulations de tournées, les reports des enregistrements, des résidences et la mise en stand-by de l’organisation de concerts, qui sont évidemment regrettables pour nous comme pour tout le secteur.

Étant donné que mon travail consiste à organiser, faciliter et participer à la mise en œuvre de ces projets, l’incertitude que l’on vit actuellement demande beaucoup de flexibilité, de réactivité voire d’imagination. La meilleure boussole dans ce contexte-
là, ce sont nos valeurs. Avec October Tone, nous sommes une grande famille de musiciens, de bénévoles, de membres fondateurs et l’on demeure très soudés. La liberté artistique prime sur les résultats, l’air du temps... On n’attend donc de personne une avalanche de contenus, un arrêt net ou une version revue et corrigée des projets au gré des retournements de situations. C’est néanmoins mon rôle de suivre de près l’évolution de cet épisode, de sauver ce que l’on peut préserver et d’avancer dans le champ des possibles.

Je trouve très enthousiasmant de voir que la création ne cesse pas alors que la production est ralentie. Côté artistes, ça continue à fuser : ça avance à coup de petits bouts d’enregistrements maison qui se collent ensemble et qui donnent des résultats bruts mais merveilleux, le tout à grand renfort de GIF bien débiles. Je crois que maintenir un climat de cohésion, d’appétit créatif, c’est la meilleure chose que mon entourage et moi- même puissions faire en attendant d’avoir assez d’éléments pour avancer concrètement sur les projets.

Quelles étaient les actus printanières d’October Tone ? Sont-elles reportées ? Dans les mêmes conditions ?

Et bien beaucoup de choses ! Cela a donné lieu à des débats, des questionnements qui nous ont bien occupés dans les premières semaines de confinement. On a décidé de maintenir certaines sorties en accord avec les artistes et nos partenaires. Reporter,
ça signifiait notamment casser une belle dynamique, demander à des artistes qui ont tout finalisé depuis un moment d’attendre encore et de mécaniquement créer de gros embouteillages qui sont parfois synonymes de renoncement. On n’avait pas envie de se recroqueviller et de laisser tomber des gens qui comptent sur nous.

Les conditions sont globalement les mêmes mais le contexte est extrêmement différent... Ce qui a pour conséquence que ce que l’on propose actuellement prend une toute autre dimension. On vient de sortir un CLIP pour BBCC qui révèle bien cela. La chanson parle d’une petite communauté qui, à peine sortie d’une catastrophe mondiale, se heurte à une crise interne qui menace une harmonie déjà fragile. Le clip montre comment ce groupe de personnages met en scène le « monde d’avant » et écrit sa propre histoire à travers des scénettes aux allures de freak show... C’était assez troublant quand on a mis ça en perspective avec ce qu’il se passait. Le message est positif, ça ouvre de belles pistes de réflexion alors on n’a pas freiné. Laura Sifi (à l’origine de très beaux clips pour T/O signé chez nous et notamment de Sshhee réalisé à Django d’ailleurs) l’a tourné à la pellicule 16mm l’été dernier. Il y avait sur le plateau beaucoup de membres de groupes OT et d’artistes dont on est proche. C’était un beau moment qui illustre bien l’esprit OT et on est heureux qu’il soit révélé à tout le monde malgré ce contexte difficile. Cet exemple-là résonne.

Un autre encore plus récent fait plutôt prendre l’air. Töfie avec l’EP « MONTPELLIER » a repris 5 artistes de la scène indé qu’on aime beaucoup. Elle a renommé leurs chansons en fonction de la ville où ces morceaux ont
été composés. Elle dresse une carte de magnifiques viviers de créations (parmi lesquels Strasbourg !), de belles rencontres artistiques aux quatre coins de la France et de la Belgique. Ça fait voyager un peu. C’est aussi sublime d’entendre des paroles de mauvais garçons dans la bouche d’une fille. C’est très rafraîchissant cette volonté de montrer qu’il n’y a pas une scène, un langage féminin ou masculin, que tout est permis, que tout est également partagé.

En ce moment, on prépare la sortie du lumineux album d’Hermetic Delight et d’un clip qui l’accompagne. Il a été tourné entre Strasbourg et Téhéran en collaboration avec l’illustrateur Mehdi Shiri qui a pris beaucoup de libertés avec ce qui est permis là-bas... A suivre. On a d’autres choses en cours mais je m’arrête là... En bref : on est sur plein de choses réjouissantes !

Une structure comme la vôtre est-elle en danger aujourd’hui ? Comment peut-on vous aider ?

Ce qui se passe en ce moment a des conséquences terribles sur certaines franges d’artistes et sur beaucoup de structures qui tournent autour des musiques actuelles (salles, festivals, labels, tourneurs et même médias). On est bien sûr impacté mais depuis sa création, OT a appris à vivre sur le fil. On ne compte pas nos heures parce qu’on aime ce qu’on fait et on demande peu en retour. Je crois que ça nous a rendu résilients. Si on était soumis à des logiques de rentabilité, d’objectifs dictés par des tiers, on ne tiendrait certainement pas une nanoseconde dans le contexte actuel... Comme la situation est instable et que personne n’a encore réellement entrevu la sortie (dans le milieu culturel au sens large en tout cas), il est difficile de mesurer aujourd’hui
à quel point cela va nous toucher sur le moyen et sur le long terme.

En tout cas, tout le monde peut aider et c’est particulièrement le moment. La meilleure manière de le faire, c’est sûrement d’être curieux et d’aller à la source : soutenir directement les labels, les artistes, les assos culturelles proches de vous ou de chez vous. Cette logique du circuit court a l’air de reprendre du souffle en ce moment et on ne peut que l’encourager et vous la recommander. En fonction des moyens de chacun, ça commence par des visites en ligne, des mots doux, et puis il y a les disques ajoutés au panier, les dons des bienfaiteurs mais aussi votre présence aux concerts où l’on espère vous retrouver dès la reprise ! Pour faire un tour chez nous c’est PAR ICI, on a justement lancé les précommandes de nos disques à venir !

Tu sens une chaîne de solidarité se mettre en place dans la filière ? Peut-être une aubaine pour demain ?

Je dirais qu’elle a toujours existé dans le petit réseau que chacun s’est constitué de son côté mais qu’une collaboration plus large est en train de naître petit à petit, il semblerait même qu’elle se renforce dans l’adversité. Tout le secteur des musiques actuelles est touché, ça solidifie les relations. L’information circule particulièrement bien je trouve, même si elle est dense et changeante. Je remercie sincèrement les personnes qui rendent cela possible.

De manière plus globale, la filière est une sorte de niche écologique : l’on a besoin de se protéger mutuellement car l’on est finalement fortement interconnectés. Cette solidarité est vitale. Je vois aussi dans le Grand Est une formidable volonté d’un grand nombre d’acteurs de se réunir, d’agir pour le bien commun et à s’intéresser à ce que chacun propose. Cet engagement collectif laisse augurer de très belles initiatives pour le futur.

Que peut-on se souhaiter pour la reprise ?

Un salaire universel pour les artistes ? Pour tout le monde ? Allez ! La mise en place d’une répartition plus équitable de la part des grandes plateformes de streaming pour les musiciens ? Le fait d’arrêter de traiter des œuvres artistiques comme des produits de consommation courante ? Ce sont de grands chantiers mais ça ne me paraît pas délirant. Je pense que l’on peut se souhaiter, sur un registre plus jubilatoire, d’épiques retrouvailles avec le public à Django : se revoir tous dans un climat d’allégresse immense où des pirouettes arrières magistrales nous feraient atterrir à l’épicentre d’un concert blindé où règne une énergie folle (oui, celle-là même que l’on aura très judicieusement accumulée ces derniers temps).

« Le 14 mars, il y a exactement un mois, l’équipe Cheap House s’entretenait au soleil strasbourgeois sur les semaines à venir. Dernier bol d’air avant l’apnée. Le flou était tel à ce moment-là sur l’avenir proche du spectacle vivant que nous ne pouvions rien prévoir, seulement attendre une respiration.

Aujourd’hui les informations sont plus nombreuses et on sait plus ou moins à quelle sauce on va être mangé. Pour les artistes, cette crise, ça veut dire avant tout une chose : pas de scène pendant un nombre indéterminé de mois. Au minimum jusqu’à mi-juillet mais probablement jusqu’à septembre. Et au-delà de l’aspect économique, c’est surtout difficile moralement car le live, c’est notre vie.

Ça c’est le côté sombre du tableau... Mais avec Cheap House, on a cette chance d’être au premier stade de l’émergence. Comme beaucoup d’autres étapes et objectifs primordiales, la résidence avec Arnaud Rebotini pour l’opération Iceberg ou Les Inouïs du Printemps de Bourges sont encore à venir. Ces événements ne seront donc pas noyés dans la sidération du confinement : ils arriveront au moment où la vie culturelle redémarrera... Notre place est encore chaude, on est entré dans une sorte d’hibernation... de printemps.

Et puis bien que le live soit notre drogue, on a d’autres exutoires. Cheap House est un terrain de jeu fabuleux pour la création : début mars on était dans une vibe deep house, qui changeait des explorations techno indus, techhouse, edm (entre autres) qu’on avait pu développer avant. Quelle que soit l’inspiration qu’on saisisse, une fois passée à la moulinette de nos instrus et de notre impro, ça donnera toujours du Cheap House... avec des couleurs différentes. Alors même si c’est un peu étrange de ne pas pouvoir jouer ensemble, on se lance des idées à distance, on les retraite avec chacun notre patte, on joue sans jouer... On prépare le terrain pour la sortie de confinement. Un terrain sur lequel on construira notre premier EP, par exemple. Celui-là même qu’on enregistre cet été.

Enfin il y a les réseaux sociaux. Là, il y a d’un côté la possibilité de sortir du contenu « spécial confinement » avec les moyens du bord... Et de l‘autre l’envie d’attendre des jours plus ouverts en distillant ça-et-là quelques informations, des souvenirs, des live jamais publiés. Nous, on a plutôt opté pour l’option détente. Facebook et consorts sont surchargés d’infos et on a parfois du mal à suivre, alors on préfère ne pas en rajouter avec Cheap House, c’est un choix... Un choix motivé aussi par le refus de faire un compromis sur la pertinence de ce qu’on propose au public. On veut montrer du Cheap House, pas du Nils, du Paul, du Matthieu ou du Théo : du Cheap House. Et du bon.

On est optimiste. On sait qu’il y aura un nombre incalculable de petits drames, que tout le réseau va être en stress pendant au moins un an. Mais, venant d’Omezis, notre label et collectif, on entretient une philosophie de l’entraide et du dévouement personnel ; une conviction aussi de la force qu’on développe à mesure que les gens échangent. On la partage à travers tout ce qu’on fait : c’est le cas sur scène avec le public, et hors scène avec Junior 360, notre boîte de prod, avec Omezis bien sûr, avec vous l’Espace Django, avec les studios Kawati... Il y aura des difficultés économiques, des coquilles plus ou moins douloureuses dans le développement de certains projets, d’artistes ou de vies personnelles, mais au final, tout ce qu’on risque, c’est de prendre un peu plus de temps à accomplir ce qu’on avait prévu (et ce qu’on avait pas prévu).

S’il faut organiser des soirées de soutien et/ou y jouer, on sera là. S’il y a moyen de co-signer des textes, porter une parole à laquelle on adhère, on veut en être. S’il faut aller faire boum boum dans les apparts parce que les festivals et les salles ne peuvent pas rouvrir, on le fera en leur nom aussi. La création artistique a une seule vocation : faire apparaître des perspectives dans le crâne, le coeur et les yeux des gens (y compris de nous-mêmes). Il faut qu’on continue de les faire exister. »

Cheap House, avril 2020

Du 27 au 30 janvier dernier, nous avons accueilli en résidence un projet à part, porté par L’Evasion situé à Sélestat : Cachou-Cachou. Groupe atypique, puisque composé principalement de musiciens et chanteurs en situation de handicap, il développe depuis quelques années une pop épicée, pleine de sensibilité, avec la volonté de partager leur musique sur scène comme n’importe quel autre groupe. La résidence à Django était la nouvelle étape d’un processus de création débuté fin 2018 et qui doit les conduire à l’organisation d’une tournée. Rencontre avec Elen Gouzien, directrice de l’Evasion, pour comprendre les origines et les contours de cette belle histoire.

L’Evasion est un peu particulier dans le paysage culturel : peux-tu nous le présenter ?
En effet ! Il s’agit du seul ESAT (Etablissement et Service d’Aide par le Travail) artistique et culturel en Alsace et l’un des rares établissements de ce type en France. Créé en 2004 par l’APEI Centre Alsace, une association du mouvement parental engagée auprès des personnes en situation de handicap, il n’a que très peu de points communs avec les autres ESAT plus traditionnellement portés vers des activités plus « normées » comme les travaux paysagers, le conditionnement ou encore la restauration... Si les ESAT tendent de plus en plus à diversifier leurs domaines d’intervention, l’Evasion a été un vrai précurseur en proposant un projet uniquement basé sur les arts et la culture. C’est à la fois un espace de création en arts plastiques et en musique. Nous abritons aussi une compagnie produisant des spectacles, mais également un espace de diffusion de concerts, théâtre, expositions et un festival biennal, « Charivari ! », qui permet comme nulle part ailleurs de voir se mélanger les publics les plus mixtes. Toutes ces activités sont portées par des artistes et des techniciens du spectacle en situation de handicap.
Et j’insiste : ce sont des professionnels, c’est leur travail au quotidien !

Quelle est l’origine du projet Cachou-Cachou ? Pourquoi ce nom d’ailleurs ?
Cachou-Cachou est le dernier né du pôle musical de l’Evasion, qui accueille par ailleurs 2 autres formations : Sirocco Jazz, un quintet avec 5 musiciens et Sepia Mambo qui propose des reprises de chansons plus rétro. Composé de deux chanteurs, d’un batteur, d’un pianiste, d’un percussionniste, d’un bassiste et d’un clarinettiste/guitariste, le groupe est créé en 2012 autour de reprises pop françaises et internationales variées allant de Ben l’Oncle Soul à Ed Sheeran en passant par Philippe Katerine. Le nom « Cachou-Cachou » ? C’est amusant, je l’ai appris il y a très peu de temps ! Lors d’une déambulation rétro-acoustique de Sepia Mambo, les chanteurs accompagnaient les rythmes avec divers objets, dont les célèbres petites boîtes jaunes de bonbons à la réglisse, qui leur servaient de shakers.

Au départ, Cachou-Cachou était essentiellement un groupe de reprises. L’écriture et la composition d’un répertoire original sont venues plus tard, fin 2018. Comment s’est fait l’évolution ?
Après avoir ré-exploré la scène musicale pop rock des années 60 à nos jours, les membres du groupe ont eu envie de se lancer un nouveau défi. Emmené par Frédéric Rieger, l’encadrant musical de l’Evasion, et encouragé par moi- même, Cachou-Cachou s’est lancé fin 2018 dans un travail d’écriture et de composition de chansons originales. Ce travail collectif a été accompagné par une professionnelle, la musicienne, chanteuse et compositrice Marie Gélis. En août dernier, ils enregistrent leur premier album 5 titres en studio à Strasbourg (Downtown), résultat d’un an de travail.

Ce premier EP 5 titres sort au printemps. Peux-tu nous parler des textes, de la musique ? Que racontent- ils ?
Les résidences de création du répertoire original menées successivement avec Marie Gélis, ont permis de puiser dans la sensibilité et le parcours de chacun. Que ce soit Jugez- moi, Gwendoline la ballerine, Les couleurs de la vie, Margot Tricot ou Nous, c’est Cachou, les thèmes qu’ils abordent partent de leur quotidien. Dans leurs titres, ils appellent à ne pas juger « mes cicatrices et ma folie », « mon style et mes kilos », invitent à « laisser rêver les nuages » et à célébrer les « couleurs de la vie ». A partir de leur vécu, ils empruntent à la poésie pour transfigurer des moments difficiles, des regards ou des comportements malveillants, et leur donner une teinte positive et dynamique. Cela donne d’autant plus de force à leurs paroles qui deviennent universelles lorsqu’ils évoquent le respect, la dignité, l’absence de jugement ou lorsqu’ils font l’éloge du vivre ensemble et du partage dans la différence.

A Django, vous êtes venus travailler la scène pour construire le spectacle qui accompagnera vos chansons. Comment se sont passés ces quelques jours ?
Très bien ! Au-delà du très bel accueil de toute l’équipe de Django, cela a permis d’entamer la partie création d’un spectacle « live », notamment autour du positionnement scénique et des arrangements. Deux professionnels (ingénieur son et metteur en scène) ont accompagné le groupe toute la semaine pour progresser sur ces aspects, casser certaines habitudes acquises pendant les années « reprises », et mieux reconstruire une dynamique de scène à 7 sur les nouvelles compositions. Cachou-Cachou a pu se confronter à un public de professionnels le dernier jour pour présenter tout ce travail et identifier les forces et surtout les faiblesses pour améliorer encore le set. Avec le projet Cachou-Cachou, nous souhaitons activer la professionnalisation accrue des musiciens et démontrer qu’il est possible, avec un parcours différent, de faire de la musique son métier.

Pourquoi à Django ?
De par son ouverture d’esprit et son projet résolument tourné vers les publics, l’Espace Django a beaucoup de points communs avec l’Evasion. C’est tout naturellement que nous avons frappé à leur porte pour cette première résidence, nous savions que nous y serions bien accueillis. En 2019 déjà, Cachou-Cachou s’est rendu à plusieurs reprises pour des ciné- concerts, et aussi pour rencontrer des groupes au parcours inspirant comme Astéréotypie, dont les membres sont issus d’un IME et sont aujourd’hui en train de s’illustrer dans le réseau de diffusion des musiques actuelles. Cette rencontre ainsi que d’autres comme par exemple avec le Weeper Circus, permettent d’appréhender différents univers musicaux, approches de la scène et modèles de diffusion. C’est très important pour un groupe émergent d’aller voir ailleurs ce qui se fait, d’ouvrir ses horizons pour tomber juste dans sa proposition. Depuis mon arrivée en 2018, j’essaye de permettre le plus d’ouverture possible à nos artistes, qu’ils sortent voir des concerts, rencontrent d’autres artistes, échangent avec des professionnels, s’implantent dans d’autres espaces, pour que la création se fasse au plus près de la réalité de diffusion. D’autres partenaires nous rejoignent déjà, comme la salle Europe à Colmar où le groupe devrait travailler et se produire en 2020. L’idée, c’est d’accompagner le groupe dans une pratique et un environnement professionnels qui leur permettent de développer toujours davantage leur démarche artistique.

Objectif l’Olympia donc ?
Ah ah pourquoi pas ! Il faut se fixer des objectifs à long terme... Pour le moment, nous restons réalistes : il reste beaucoup de travail à faire en termes d’identité visuelle, de décors, tenues de scène, lumières... Et encore progresser dans la technique de la scène et poursuivre le travail d’écriture/composition. Parallèlement, il reste à persuader beaucoup de monde pour permettre à Cachou-Cachou d’exister en tant que « groupe » et non plus d’être envisagé comme « projet d’une institution ». Notre tournée ne pourra se faire qu’avec la confiance des professionnels et des programmateurs qui auront eu l’occasion de découvrir ce projet atypique, et d’en apprécier tout le professionnalisme et la bonne humeur !

Le 12 février dernier, la veille de son concert à Django, nous avons accueilli à l’occasion de notre 3e APARTÉ la révélation française du moment, Yseult. Des échanges sans filtre pour revenir sur le parcours atypique de cette musicienne à la voix d’or et au mental en acier. Maeva Heitz, artiste au sein des Sons d’La Rue et de la Compagnie Mémoires Vives, par ailleurs responsable de divers projets culturels, animait cette discussion. Une expérience inédite, dont elle nous raconte les préparatifs.

Quand cet APARTÉ s’est confirmé, nous t’avons proposé de devenir notre journaliste d’un soir et tu as accepté de suite. Qu’est-ce qui t’a motivé ?
J’aime l’échange et le temps de la déconstruction. J’ai d’ailleurs toujours préféré questionner et écouter, plutôt qu’être interrogée et devoir parler. Avoir l’opportunité aussi de préparer cet entretien, en y injectant des problématiques sur lesquelles je me questionne vraiment, et auxquelles une artiste confirmée et populaire comme Yseult aura forcément des réponses intéressantes et constructives, m’a motivé.

De mémoire, tu as découvert le format APARTÉ lors de la rencontre avec Dope Saint Jude. Qu’en as-tu pensé ? N’est-ce pas précieux de se parler d’art entre artistes ?
Oui, j’ai découvert le format APARTÉ avec Dope Saint Jude et j’ai beaucoup aimé la proximité que ça engage avec un/e artiste, que l’on retrouve et que l’on apprécie par ailleurs avec la distance de la scène ou d’un support audio. C’est intéressant de voir (ce) qui se cache derrière l’artiste, ce qui le/la façonne, ce qui le/la fait, ce qui l’anime. La dimension interactive de l’APARTÉ prend tout son sens : les gens posent des questions spontanées, c’est une vraie discussion. Se parler d’art, c’est précieux surtout au-delà de « l’entre artistes ». A mon avis, l’art ne vaut et ne vit que s’il ne reste pas « entre artistes », justement. Il prend toute sa dimension dès lors qu’il est discuté, débattu, analysé, fustigé, encensé. Tant qu’il ne meurt pas et qu’il appartient à tout le monde.

Comment as-tu abordé cet échange avec Yseult ? Tu la connaissais déjà ?
Je la connaissais, oui. Je l’ai découverte avec son titre « Rien à Prouver » l’an dernier. Gros kif. Je me suis d’ailleurs demandé ce que je lui aurais vraiment posé comme questions si j’avais eu l’opportunité de la rencontrer à la ville, de passer un moment avec elle. On aurait parlé d’elle, de ce qu’elle représente bien sûr et de ses choix esthétiques, musicaux et visuels. Avec APARTÉ, ce fut l’occasion !

Les questions, les sujets te sont donc venus facilement ?
Oui, parce que j’aime l’artiste et le contenu à traiter. Ça rend tout plus facile.

Quel regard portes-tu sur sa musique, son style, ses messages ?
Je me réjouis dès qu’un/e artiste brouille les pistes et fait bouger les lignes – parfois absurdes ou discutables, de la musique urbaine à la pop ou à la chanson française. On dirait parfois que c’est la promotion à atteindre pour être validé(e) par les scènes, les magazines, les salons du bon goût, les émissaires de la musique écoutable... Genre « le bendo mais pas trop ». Tout ça me fait sourire de loin. Elle, elle fait juste ce qu’elle aime sans se poser de questions : c’est peut-être ça le secret pour que ça prenne. Par ailleurs, dès qu’une artiste féminine incarne la force, l’intelligence, la verve, le swag sans s’excuser, je me réjouis. J’écoute. Je m’enjaille. Et on ne va pas se mentir, si c’est une femme artiste noire avec une immense afro, ça me réjouit au carré ! Sans toutefois la réduire à ce créneau de représentation, bien sûr, je dirais que c’est toujours un bonus réjouissant.

Tu te retrouves en partie dans son engagement ?
Je l’admire pour son engagement. Le woman empowerment, tout ce mouvement body positive, c’est un vrai défi et c’est courageux de s’en faire la porte-parole. Il faut tenir, face à tous les vents violents de l’exposition publique. Le corps de la femme en général est disséqué, commenté, politisé parfois malgré elle, et j’imagine que sous les feux de la rampe on a encore plus de comptes à rendre.

Envie de renouveler l’expérience APARTÉ du coup ?
Si j’ai fait le taf, avec plaisir, bien sûr. 🙂

Toujours les mêmes ingrédients au sein de cette aventure collective, des décalages, des expérimentations, des rencontres pour repousser les limites des projets parrainés et leur permettre d’exprimer pleinement leur potentiel artistique. Cette année, 11 groupes au talent prometteur, venus de France et de Suisse, ont été retenus. Parmi ceux-ci, nous sommes très heureux d’accompagner les strasbourgeois Cheap House (électro transe). Pendant 1 an, ils vont pouvoir bénéficier de résidences et de formations sur mesure afin de poursuivre leur développement. Jérémy Durand, coordinateur de l’opération, nous présente les grandes lignes de cette édition 5 et ce qui se dessine pour Cheap House.

Les Eurockéennes de Belfort, la Fondation CMA et les 13 salles franco- suisses, nous nous sommes tous réunis à Lausanne fin octobre dernier pour faire le bilan de l’édition 4 et lancer l’édition 5. Quoi de neuf côté Iceberg en cette année 2020 ?
Cette édition 5 ou Opération Iceberg 2020 s’annonce excitante et pleine de promesses, avec des groupes toujours aussi talentueux et à différents stades de développement. C’est hyper intéressant car les besoins sont tous différents et nous avons la chance de pouvoir expérimenter une multitude de choses. Coaching vocal, scénique, composition, travail d’arrangement, c’est à la carte. 2020 est aussi une année de transition pour préparer l’avenir et commencer à renouveler l’opération. C’est enfin ma 1ère année pleine en tant que coordinateur, je ne suis arrivé qu’en janvier 2019. Très heureux donc de participer à l’évolution du processus en cours, la formation notamment, avec un tout nouveau séminaire qui réunira l’ensemble des artistes sélectionnés en cours d’année. « Work in progress » comme on dit !

Tu as donc rejoint l’opération l’année dernière. Quel regard portais-tu sur ce dispositif ? Est-il différent maintenant que tu l’observes de l’intérieur ?
Belfortain d’adoption et acteur du développement d’artistes depuis plusieurs années, j’ai toujours eu un œil attentif sur l’opération. J’ai participé aux différentes rencontres avec les artistes et les intervenants, ainsi qu’aux 1ères conférences qui étaient organisées sur les droits d’auteur ou encore la santé du musicien. Je ne peux donc pas dire que mon regard est différent aujourd’hui. Disons que l’accompagnement d’artiste évolue et que les besoins ne sont plus les mêmes qu’au moment de l’édition 1. Il faut savoir être innovant et force de proposition pour continuer à faire vivre le dispositif.

Onze projets émergents ont donc été choisis. Un bon cru selon toi ?
Oui, il y a eu de vrais coups de cœur, avec une sélection très éclectique.
Découvrez les 11 projets sélectionnés !

Parmi ceux-ci, il y a Cheap House, ce groupe strasbourgeois d’électro instrumentale que nous allons parrainer. Nous avons réalisé ensemble leur diagnostic, en parlant besoins et envies. Plusieurs pistes ont été abordées, en particulier une rencontre avec un DJ pour croiser leur approche du son mais aussi de l’écriture. Peux-tu nous en dire un peu plus ?
Pour Cheap House, nous allons travailler essentiellement l’aspect scénique et la transmission de leur énergie au public, même s’ils maîtrisent déjà bien leur sujet. Nous allons les faire travailler avec un « DJ/compositeur » dont je ne peux pas encore vous donner le nom... C’est en cours de calage, mais si nous arrivons à convaincre l’artiste en question, Cheap House devrait vivre une superbe expérience. Nous avons pris le temps d’écouter le groupe pour comprendre ses besoins et réfléchir à la personne la plus adaptée pour répondre aux problématiques posées. Ces rencontres, ce sont également des moments de vie, l’humain doit rester au cœur du projet et des échanges.

A Django, on te connaît depuis longtemps car tu es par ailleurs directeur de l’agence V2C, basée à Belfort, avec laquelle nous collaborons régulièrement (Dirty Deep, Thomas Schoeffler Jr., etc.). Pas trop compliqué de cumuler toutes ces « casquettes » ?
Tu poses la question à quel Jérémy ?! Je rigole. J’ai toujours aimé entreprendre et l’ennui me fait peur. Je suis un touche-à-tout, j’ai appris beaucoup de métiers différents en quelques années, la communication, l’administration, les ressources humaines, le commercial... J’ai la chance d’être accompagné par une super équipe qui me suit dans mes projets les plus fous avec une grande confiance. C’est très important pour moi. Je tiens d’ailleurs à vous remercier car vous faites partie des 1ers acteurs, avec la Poudrière à Belfort et le Moloco à Audincourt, à m’avoir soutenu. Alors MERCI !

V2C a d’ailleurs fait des petits avec deux nouvelles structures de production : Little Sister et Junior 360. Vous couvrez désormais une bonne partie de la chaîne de développement d’un projet musical (tour, label, édition, management...).
Comment est née cette architecture ? Elle s’est imposée à vous par le contexte local et l’évolution de la filière musiques actuelles ?
C’est une évolution assez logique de notre écosystème, la filière est en mouvement continu et nous sommes peu en région, voire quasiment seul sur l’activité booking, malgré plusieurs initiatives locales et une forte demande des artistes. En 5 ans, nous avons pu expérimenter plusieurs modèles d’accompagnement d’artistes, nous sommes en constante remise en question car tout va très vite. Il est important pour nous de maîtriser la chaine de développement d’un projet musical dans son ensemble. Mais si tu savais tous les projets que j’ai en tête... Rendez-vous dans 5 ans !

Junior 360 fait même déjà partie de l’entourage professionnel de Cheap House. Une aubaine pour eux non ? Ils vont ainsi pouvoir profiter de l’appui de 3 opérateurs, Junior 360, Iceberg et Django ?
Effectivement, c’est une année faste pour eux mais c’est aussi une aubaine pour les 3 opérateurs. Chacun pourra apporter sa pierre à l’édifice. On parle beaucoup de coopération et de mutualisation dans nos métiers. Avec Cheap House, nous sommes exactement à cet endroit. Le modèle économique de Junior 360 porte principalement sur cette collaboration de proximité, afin de développer la scène locale et régionale. Sans cette force commune, difficile pour le groupe et pour Junior 360 d’exister.

Le groupe Zimmia, composé de Louise Garance (chant), Thibaud Lecluse (claviers), Alex Bako (basse) et Victor Ducey (batterie) était en résidence à Django du 8 au 10 février pour un coaching scénique avec Ry’m Lyre. Ils ont préparé le set qu'ils joueront au tremplin Décibulles  au Café Concert Le Freppel à St-Martin vendredi 14 février.

Cachou-Cachou, le groupe phare de l'Évasion !

Cachou-Cachou est un projet porté par l'Esat Evasion à Sélestat. Ce groupe composé d'artistes en situation de handicap développe depuis quelques années une pop épicée, pleine de sensibilité, avec la volonté de partager leur musique sur scène comme n’importe quel autre groupe. Leurs reprises et compositions pop-rock sont pleines d'énergie et leur bonne humeur est contagieuse !

Cachou-Cachou était en résidence du 27 au 30 janvier pour travailler leur prochain spectacle, en particulier la gestion du plateau et la mise en scène. Pour conclure ces 4 jours à Django, nous avons pu profiter d’une belle restitution dont voici un extrait.

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